entrevista a Andrea trotta Por Oeste Miradas
Andrea Trotta nació en 1973 en la provincia de Buenos Aires. Artista Visual, Licenciada en Artes Visuales (IUNA) y Profesora nacional de Dibujo de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Actualmente se desempeña como Docente en la Escuela de Arte Leopoldo Marechal. Curadora e Investigadora independiente. Integrante de Matanza Nómade, grupo de reflexión, producción y circulación de arte contemporáneo. Integrante del Foto club de San Justo.
Fotos Por :ESTEBAN SPILA
¿Desde cuando el arte forma parte de tu vida?
Creo que me apasiona el arte desde antes de tener memoria. En la adolescencia comparaba el momento de mayor concentración y placer con el de un orgasmo, porque perdía el registro del tiempo, de las horas, de todo el contexto: eran las líneas y yo.
Más específicamente ¿cuando comenzó la fotografía en tu vida?
La fotografía comenzó a formar parte de mi vida, por así decirlo, cuando lo que necesité decir no requería de esfuerzos físicos (manuales), sino intelectuales. No sé cuándo compré mi primera cámara digital, pero con ella fue que comencé a fotografiarlo todo, pero la primera vez que lo hice de manera consciente, o sea que incorporé la fotografía para mostrar obra, lo hice no manejando la cámara yo, sino pidiéndole que fotografiara algo específico que yo quería mostrar a un fotógrafo. Yo tenía algunos bocetos realizados con mi propia cámara compacta y a partir de allí comenzamos a trabajar.
¿Qué es lo que descubriste? ¿Cuál crees que fue la diferencia con respecto a lo que venias haciendo?
La diferencia está en haberme relacionado con Juan Carlos Romero, antes de él no entendía el arte contemporáneo y no me podía desprender de lo plástico. Pero sí tenía claro que lo más importante para mí era lo que tenía para decir. Con Romero, entonces, pude ver que no era importante el medio, el material o el objeto artístico que se produjera, sino la idea, lo que se transmitía. A partir de allí lo que hice fue cambiar el cómo. Las artes plásticas en mi vida se tornaron prescindibles cuando con la fotografía podía decir lo mismo.
¿Qué es lo que te gusta capturar? ¿Qué es lo que te llama la atención?
Siempre me interesaron los seres humanos, lo que hacen cuando están despiertos y lo que hacen en sociedad, en relación con otros seres humanos.
Para tu obra ¿buscas las situaciones al azar?
No, claro que no, si hay algo que no me permito (y te juro que me en cantaría poder hacerlo) es el azar soy muy racional, por eso me contracturo toda, es más, como no me banco el estadio de aficionado, por lo obsesiva que soy, estoy estudiando fotografía profesional para no perder detalle de todas las posibilidades que existen y que mi cámara me puede dar.
¿Qué influencia tenes de otros artistas?
Mi mayor influencia la tuve de Juan Carlos Romero. Pero me siento influenciada desde muchos lugares por múltiples disciplinas y vivencias, como la literatura, mi interés por la política y la historia argentina, por el cine, en fin, muchas cosas.
Según tus fotografías ¿Qué crees que evidencian más de vos? ¿Qué es lo que te llama la atención de ella?
Espero que nada evidencie algo de mí, espero que mi obra sugiera múltiples interpretaciones. Mi propuesta no es hablar de mí, sino de poner sobre la mesa un tópico y dejar abierta la puerta de la interpretación, con la menor cantidad de limitaciones posibles de mi parte, tratando de no establecer un discurso unilateral. No quiero que mi obra se convierta en panfleto. Después de leer El espectador emancipado no quisiera que nadie se sienta adoctrinado.
Según la historia de la fotografía, ¿Cuál consideras que es una de las mejores fotografías?
Catherine Opie. Hay muchos, muchos fotógrafas que me gustan, pero me tenté en elegir esta porque interpela sobre el lugar que el cuerpo ocupa en la actualidad, no me importa si es la “mejor foto”, creo que eso es un valor de otro tiempo. Aquí lo importante es la provocación, es el hecho de evidenciar otras realidades posibles, otras sexualidades, en este caso. Por eso me parece buena. Además es una excelente fotógrafa.
¿Cuál fue tu primera muestra de fotografías?
En 2011. “Sojización”, fotoperformance para el Encuentro de Arte Acción Latinoamericano ZAS! 2011. Museo de Artes Visuales e Histórico de Florencio Varela. 23 y 24 de septiembre.
Sojización, fue una invitación de la gente de Varela. No me acuerdo de la consigna, era algo que tenía que ver con reflexionar sobre la identidad, por eso la paradoja que se da entre el título y la imagen, que soy yo comiendo un choclo, maíz, originario de esta tierra, sucumbiendo frente al avance de una semilla que ni siquiera se consume en este país.
¿De donde proviene la inspiración para tu obra?
Mi trabajo no proviene de la inspiración, sino de la investigación. Hay temas que me interesan, que me preocupan y busco cómo llevar eso a la imagen, cómo resolverlo. Muchas veces parto de textos leídos; esas lecturas tampoco son azarosas, las hago para encontrar respuestas (o más preguntas). Una cosa muy importante que debo aclarar es que no me considero una fotógrafa, la fotografía es uno de los medios que elijo para mostrar una idea, ese medio podría ser también la performance, una instalación, un dibujo.
¿A quienes crees que va dirigido tu trabajo?
Va dirigido a todas aquellas personas atentas o que necesiten, como yo, una nueva manera de ver las cosas. Los temas tocan generalmente problemáticas sociales que, de alguna manera, por no poder escapar a la sociedad a la que pertenezco, me atraviesan. Entonces el público son mis contemporáneos.
¿Hacia donde queres dirigir tu trabajo?
El futuro creo que es aquello que uno va formando haciendo en el presente. No sé adónde me va a llevar concretamente, pero no tengo pensado salirme demasiado de mi búsqueda, por ahora. Las temáticas que abordo aun me siguen interesando.
¿Podrías dar algunos tips tanto para fotografía como para el arte en general?
Creo que tips son algo así como “consejos” ¿verdad?. Lo que puedo decir es que cuanto más independientemente se mueva uno respecto del mercado, más libertad tendrá para realizar su obra. Existe por un lado la responsabilidad del trabajo y por otro la necesidad del artista. La primera transciende al individuo, porque no somos solos, somos en sociedad, entonces cuando uno realiza una obra, además del gozo que puede provocarle al que la realiza, debe tener claro que existen otros que van a posar su mirada frente a ella. La segunda tiene que ver con la individualidad, con ese gozo que provoca. Cuanto más sincera es la obra, más se disfruta al realizarla.
Luego, otra cosa que me parece importante es la transversalidad; aplicar todo tipo de conocimientos a la hora de producir nos permite mayor libertad. En mi caso, la formación plástica, los conocimientos de dibujo, la organización espacial, la estructura compositiva me ayudó a trabajar con no demasiado problemas el encuadre fotográfico. Mi investigación sobre el arte contemporáneo a apretar los cuerpos para pronunciar lo que me interesaba resaltar discursivamente sin prestar atención a los encuadres tradicionales de la fotografía, como se puede ver en casi todas las fotos, tanto las tomadas por mí, como las que me tomaron de mi propio cuerpo.
“Supervivencias”
Jacques Rancière (2008), dice “para los dominados la cuestión no ha sido nunca tomar conciencia de los mecanismos de dominación, sino hacerse un cuerpo consagrado a otra cosa que no sea la dominación.” Y agrega que se trata de adquirir “pasiones” que sean inapropiadas para esa situación. Esto me llevó a reflexionar sobre el lugar que ocupa el cuerpo en determinadas situaciones y pensé en trabajos que se les asigna a las personas de acuerdo al género, un género también construido socialmente y que tenemos absolutamente naturalizado. “Mujer” y “labor femenina”, ambos conceptos culturales aparecen en la serie. Pero aparecen construyéndose un cuerpo con el mismo elemento que constituye la herramienta de su dominación, de su relego, de la sumisión al hogar. En ese nuevo cuerpo tal vez pueda encontrar una posibilidad de huída.
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De la serie “Supervivencias I”
Fotoperformance poética
Medidas variables
Año 2012
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Foto con nombre 3 y 4
De la serie “Supervivencias II”
Fotoperformance poética
Medidas variables
Año 2012